“十年一劍”—— 艾米李畫廊十年特展在北京開幕

　　2018年9月1日，艾米李畫廊成立十年特展：“十年一劍”在北京艾米李畫廊開幕。展覽展出了畫廊十年間合作的二十三位藝術家的作品。5位法國藝術家，1位美國藝術家，17位中國藝術家，足夠國際化的了。此次展覽特邀著名批評家慄憲庭擔任學術主持人。

　　參展藝術家：陳琦，陳太陽，高茜，韓婭娟，金沙，劉玉潔，馬丹，瞿倩梅，孫浩，沈勤，童雁汝南，他們+，王鑑爲，王野夫，蕭戈，許仲敏，張見，讓·雅克·阿爾蓋勒，克萊爾·巴斯勒，瑪麗昂·巴達雅爾，馬克·帝格朗尚，伊格爾·奧澤裏，皮耶裏克·索朗（按姓氏首字母排序排列）

　　艾米李畫廊成立十年特展現場

　　艾米李畫廊成立十年特展音樂會現場攝影Nick Song

　　十年一劍——一個人的多元與國際化之路

　　慄憲庭

　　Amy推出自己的艾米李畫廊十年特展，讓我寫點文字。我沒有資格也沒有能力對一個畫廊做出任何的評價，在我眼裏，藝術就是藝術，藝術市場屬於商界，我雖然經常強調藝術價值決定藝術品價格的看法，但藝術價值與藝術市場不可能是一種直接的關係，藝術價值系統屬於意識系統，藝術市場更多的屬於市場的系統，它們之間的關係是一種非常複雜的關係，我不是專家，不敢妄言。所以，我只能就這個展覽說一點自己的感想。

　　我使用“十年一劍”的題目，是因爲這是Amy爲自己的畫廊策劃的一個十年特展。俗話說十年磨一劍，這把劍的鋒利程度，有待畫廊系統去評價。副標題有“多元與國際化”的字樣，指的是Amy特別的法國背景，這使她多年在國際和中國藝術界之間遊走，觀看和選擇自己喜歡的藝術家。我在“多元與國際化”前面又加了“一個人”的定語，因爲這是她探索的一種帶有她個人的價值觀，與國際、中國藝術大的價值系統，相互交融、磨合的藝術展覽和經營系統。

　　這次展覽一共展出23位藝術家的作品。5位法國藝術家，1位美國藝術家，17位中國藝術家，足夠國際化的了。所展出作品來自6位油畫家，5位使用水墨媒介的藝術家，2位使用紙本媒介的藝術家，1位影像裝置藝術家，1位水印木刻版畫家，1位攝影藝術家等等。這些藝術的語言、風格、觀念，包括關注傳統與當代的關係等等，涉及的面也很寬廣，各方面都足夠多元。所以，如果我們要找到一個詞能夠概括這個展覽的特點，幾乎不太可能。但從這些藝術家作品來看，對於傳統的挪用，以及對傳統與當代關係的關注，我想大概是這個展覽的一個主要看點。

　　這個展覽中的大多數藝術家，都在艾米李畫廊做過個人展覽或者聯展，畫廊對於他們的作品也曾有過詳盡的介紹。所以，我只能就這個展覽說一點個人的看法。其中最引人注目的大概就是對於傳統的挪用，以及關注傳統與當代關係的作品了。如新工筆的代表人物張見和高茜，他們都對中國古典詩詞有深入的研究，作爲現代人，他們善於把體會到的傳統詩詞境界，結合今人眼中的現實物象，“發古之幽情”；同是使用中國傳統媒介，金沙卻借用西方文藝復興大師的名畫，抽離其中人物的肉身形象，只保留一個衣服殼的外形，嘲諷和寓意都很明確；孫浩的馬，使用水墨畫法、造型、構圖，西體中用，皆宗近代從西方引進的現實主義傳統，造型上有種雕塑的感覺；劉玉潔挪用浮世繪、中國傳統山水等圖像，把完全不同的時代、不同類型的圖像，通過拆解、拼接、植入到所挪用的傳統經典繪畫裏，創造了一種穿越、重疊、錯亂的時空感覺。其中本次展覽的作品，拆解了元代畫家錢選的《山居圖》，重新拼接了山和水的空間位置，甚至把裝置的因素帶進繪畫；童雁汝南看似帶有表現意味的油畫肖像，借用的是中國傳統山水畫的筆觸意味，仔細看他畫的每一幅肖像時，你會發現它們都隱藏着一些中國山水畫的圖形因素。

　　法國藝術家讓-雅克·阿爾蓋勒（Jean Jacques Argueyrolles）的傢俱設計，把法國巴洛克、現代極簡、乃至東方的一些傢俱因素，拼接爲極具超現實主義風格的作品，以及將鐵、銅、木材，與東方傳統傢俱普遍使用的大漆進行混用，尋找傳統與當代的關係和契合點。“他們+”，是賴聖予和楊曉剛的合作小組，作品既是他們兩人在繪畫技巧、觀念上的對話，畫面也將不同時代、不同文化的經典形象，融合在同一場景中，讓所有因素穿越時空在同一個“舞臺”上對話，使得場景富於一種特別的戲劇感。許仲敏的“盒子”系列，採用機械控制方法，做成類似在岡仁波齊轉山的裝置，而裝置中行走的小人造型，形成一種永無休止循環的效果。“行走”、“繁衍”、“循環”，一直是他不變的主題，他把傳統佛教觀念呈現給今天的人們，讓人去思考：一方面，世界在不斷地發展和變化，但人類其實永遠擺脫不了循環往復的命運。沈勤是這個展覽中我唯一熟悉的藝術家，他的創作道路讓我想起林風眠——從現代派開始，使用水墨媒介，進入禪一樣的寧靜境界。作品從80年代的超現實主義開始，繼而出現抽象水墨，黑白分明的硬邊，與邊緣線曖昧不清的陰柔造型，交織出一種神祕畫面。後來的創作，多以風景、園林爲題材，詩意般的幽靜、淡泊，總會讓人想起宋畫，或者更確切地說，一種形而上的悠遠和疏離，讓你的腳步悄然停住。

　　繼承傳統繪畫因素，表達個人感覺的作品，在這次展覽中也很突出。如法國藝術家馬克·帝格朗尚（Marc Desgrandchamps），瑪麗昂·巴達雅爾（Marion Bataillard）以及克萊爾·巴斯勒（Claire Basler），還有美國藝術家伊戈爾（Yigal Ozeri），中國藝術家陳琦，他們都在繼承傳統技藝上，無論題材、造型，以及畫面處理上都找到自己獨特的個人風格。這幾個藝術家的作品，都給人一種在情感表達上非常細膩的感覺，而且作品都有一種技藝完美和精緻的特徵。

　　抽象作品是這個展覽的第三個看點。中國藝術家王野夫，使用最簡單的鉛筆，把黑與白的對比，硬邊與類似中國水墨暈染的柔和、豐富、多層次的對比，和諧地處理在同一幅畫面裏，讓作品產生一種神祕的意味。與王野夫安靜的畫面相比，身爲女藝術家的瞿倩梅，作品氣勢恢宏得更像一個“爺們兒”。她使用紅木屑，混合巖彩，然後一遍遍用大漆罩染，打磨，在這個過程中，不斷尋找和建構出畫面或圓或隨意潑出的造型，簡潔大方，又斑駁陸離。藝術家說自己的創作靈感來自於大自然，如同山河大地經年累月地風雨侵蝕，人生的坎坷不平，留下的都是說不清楚的痕跡。王鑑爲出身書法世家，自己也曾練習書法，抄寫經文，然後他放棄書法，使用日本巖彩，結合多層畫法，把佛教中的各種形象概括、抽離出各種具有象徵含義的幾何符號，畫面在抽象和象徵之間尋找一種歷史感覺。90後的中國設計師陳太陽的作品，把硬邊和簡潔的幾何造型，與輕靈、有空間感的造型串聯起來，讓作品有了一種建築的感覺。

　　韓婭娟的作品初看有點卡通化，但畫面意味卻並不卡通，反而帶有一種形而上的嘲諷和荒誕，畫面色彩單純、鮮豔甚至有些時尚，充滿了耐人尋味的冷冷的理性，似乎有意且不動聲色地把時尚的快樂和理性的距離感合併處理。馬丹的畫面，色彩也有種卡通意味，鮮豔的顏色，童趣般的造型，讓整個畫面充滿一種童話般的氣氛，一塊塊的紅土和一團團的白雲，自然來自於她雲南家鄉的印象，尤其是每幅畫面都有的那個穿紅衣服小女孩的背影，也許是作者本人，也許是作者心意的化身——意欲帶領人們走進美麗、純淨的童話世界。

　　還有這個展覽最爲特殊的兩位藝術家，一位是法國著名全息影像藝術家皮耶裏克·索朗（Pierrick Sorin），一位是生活在南京的攝影藝術家蕭戈。看過前者的作品，你才知道什麼是高科技的全息影像；而後者是馬格南圖片社風格的紀實攝影，展現的是世界各地街頭以及日常生活中的小人物和場景。一個是依賴高科技創造出來的幻象；一個是世俗社會的人文景觀，都是藝術家想要表達的感覺中的真實，有的可以讓觀衆觸摸到，即便是司空見慣；有的是關了電源，就什麼也沒有了。

　　藝術真奇妙，因爲世界更奇妙。

　　展期： 2018年9月1日-10月28日

　　此次展覽部分作品：