Sir之前說過了。

2020年關於電影，最沉重的遺憾之一。

第一次沒有在大銀幕看它。

機會來了——

《1917》

8月7日即將上映。

優秀程度不必多言。

奧斯卡十項提名，頒獎季最大贏家之一。

最終斬獲三個獎項，都與技術有關：“最佳視覺效果”、“最佳攝影”、“最佳混音”。

直接表態：

豆瓣8.5，低了。

主要原因，大部分網友跟Sir一樣，是在電腦上看它的。

但Sir今天要鄭重澄清——

電影院，纔是《1917》主場。

01

許多人會混淆一個概念，“大片”。

特效炫，動作爆，畫面炸，當然要去巨幕看，最好是IMAX。

但大片不僅有這一種。

更高級的大，在密度。

信息量的龐大，情感的充沛，細節的豐盈，才真正體現大銀幕的魔力。

《1917》的故事就爲銀幕而生。

主題，極端宏大。

一戰，英語常用：the great war。

“great（偉大）”格外刺眼。

——這是場讓人類自己都驚訝的“作死”。

比起二戰的萬衆一心反法西斯。

一戰甚至都懶得找個理由惺惺作態，只是純粹在探索人類作惡的極限。

的確做到了：

它被譽爲“終結了一切戰爭的戰爭”。

事實證明，終結不只有戰爭。

更是代表人類文明的所有光亮——

偉大，勇氣，正義，信念，以及人性。

這樣的背景下。

《1917》選擇的切點，極端微小。

兩個小兵，新兵。

一戰期間，英德對峙前線。

新兵蛋子布雷克和斯科菲爾德，受命徒步14公里去前線，傳達命令，叫停進攻計劃。

可他們真的“小”嗎？

任務背後，是前線兩個營——包括布萊克的兄長在內——整整1600條士兵的性命。

此後，視角就跟隨他倆，穿越整條戰線，從後方，到前線。

“大”與“小”的不斷錯位，反覆研磨。

最終傾瀉出讓你不忍直視的情緒——

絕望。

本片最大的疑點之一。

1600條士兵的性命，爲什麼只派兩個人去？

沒有人認爲任務可行。

去，幾乎必死無疑。

甚至將軍派他倆的理由，也用諺語代替說不出口的話。

下到地獄，上至王座

孑然獨行之人速度最快

成或敗，都不過孑然獨行（兩個炮灰）。

採訪中主創還透露一場被刪減的戲份：

將軍給兩個男孩下達任務時，勤務兵鋪開了一張白色亞麻桌布，以便讓長官能夠輕鬆享受下午茶。

科林·費斯（將軍扮演者）：軍方對這兩個年輕人的漠視是顯然易見的，（以至於）我們不需要用這場戲再去強調這一點。

更加腹黑一點：

將軍眼裏，不僅兩個新兵不重要。

前線1600人，都不重要。

這才能解釋他安排任務的邏輯。

這是在說將軍沒人性？

不，這恰恰影射更大範圍的“人性”。

畢竟。

對於經歷過曾經一天衝鋒就能死掉6萬人的戰場（索姆河戰役）的指揮官。

1600條人命，無法挑起一人的良心。

片尾，卷福扮演的前線軍官的憤怒更是驗證了這種絕望情緒的來由：

希望是一種危險的東西

現在下命令撤退

下週又會傳達不同的命令

結束這場戰鬥只有一個辦法

戰鬥到最後一口氣

這纔是大片該有的張力。

故事上，它從絕境中滲透出巨大的顛覆——

希望，怎麼會危險？

死亡，怎麼是解脫？

視覺上，它讓你臉貼臉地凝望顛覆的過程。

每一個微表情。

一次吞吐臺詞時的停頓。

一束地道中的微光，一枚炮彈揚起的泥土，以及後續畫外音裏一陣痛苦的嚎叫。

甚至，僅僅一段死裏逃生後的放空。

這纔是真正意義上的大片。

它讓你在120分鐘內體驗一次陌生的生命。

02

聊《1917》，避不開它的最大噱頭：一鏡到底。

無論故事多麼震撼。

它始終是一部影像優先的電影。

有人說它在炫技。

如果你只在手機，平板，電腦上看，它是。

華而不實，視角封閉，被鏡頭晃得頭暈目眩。

更別說，這個炫技在採訪中也被證實，只是通過巧妙方式剪切鏡頭達成的“僞一鏡到底”。

然而。

導演薩姆·門德斯和攝影羅傑·迪金斯花了這麼大工夫搞，有且只有一個目的。

給到足夠的沉浸感。

按照導演的想法：

戰爭live。

有多沉浸？

一個例子，尾行視角。

想象一下，當燈光熄滅，眼前的銀幕緩緩亮起。

伴隨着搖晃的鏡頭，觀衆跟着主人公一起穿梭在真實的戰壕，巷道。

走過被火炮蹂躪的戰場。

那晃動的幅度，就像……

你在跟着他走。

你必須跟着他匍匐。

穿過鐵絲網時，被掛在鐵絲網上的屍體的殘肢爛肉嚇到。

連反應都會和主演神同步。

隨着戰鬥打響，主角們奔跑，鏡頭也一路追隨，晃動加快，緊張氛圍上升幾個量級。

伴隨着炮彈的嘯叫，遠處的槍聲與主人公的喘息與心跳。

每一個觀衆，都彷彿是一名普通的士兵，密閉的電影院也成爲戰場的一部分。

就像第一人稱的電子遊戲。

然而主演查普曼（布雷克飾演者）如此解釋《1917》與電子遊戲的區別：

在那種遊戲裏，你是能夠掌控時態的，但在這部電影裏，你並不擁有這種掌控力。

這就是爲什麼它看起來如此可怕的原因：你逃不掉。

被動，纔是享受沉浸的正確姿勢。

此外。

還有特效無法營造出的節奏感。

以靜寫動。

隨着主角前進，用各種特寫展現行進道路上的戰場。

遇到死馬——

鏡頭咯噔，向上避開。

遇到老鼠——

鏡頭一搖，像被嚇到。

穿過河面，穿過腫脹的浮屍時。

鏡頭移動緩慢，堵住了。

中遠景，細節更讓人眩暈。

前線被炮火炸到泥濘不堪的道路。

敵軍撤退後，留下了遍佈彈殼的武器墳場。

以及由於戰爭，瀰漫着硝煙的荒寂大平原。

一切都在不斷增強觀衆的感觸：

你在穿越一塊真實的戰場。

隨着時間變化，這種戰場奇觀會在某一瞬間，散發出超過普通觀衆想象的壯麗。

照明彈劃破夜空，被摧毀的小鎮廢墟，在陰影中若隱若現。

活脫脫一幕文明廢墟，人間地獄。

夜間戰鬥，廢墟中的主人公在驚慌失措中疲於奔命。

伴隨着鼓點和交響樂，給觀衆最大的緊張刺激。

Sir心中全片最佳一幕。

好不容易逃避追擊後，主人公穿過一條隧道。

盡頭的火光照亮着方向。

他緩緩走出，視野拉開。

眼前，是一座正在燃燒的樓宇。

窗戶中的通天火光、形若十字架的噴泉、拿着槍喘着氣茫然無措的年輕士兵。

仿若一幅十九世紀的宗教壁畫。

這些動圖很震撼？

Sir可以負責任地告訴你——

比不上大銀幕衝擊的10%。

03

如果讓Sir總結：

《1917》線上看，只是一部質量上乘的故事片。

影院看，是藝術品。

光影背後，是匠人反覆爲之雕琢的質感。

許多人知道，薩姆·門德斯是電影導演兼編劇。

但很少人知道，他還擁有長達15年的話劇舞臺經歷。

開拍前，整個劇組陪他整整“排練”了24周。

佈景陳設，服化道，燈光、攝影，錄音，以及演員每一次走位和動作……

每一環必須嚴絲合縫。

一處錯，全部重來。

在某種程度上，《1917》就是一部升維版巨型舞臺劇。

普通舞臺劇不需要鏡頭和視角切換。

可電影中，爲了達到舞臺效果，讓場景的長度與移動距離同步。

怎麼做到？

導演反其道而行之。

先一步步反覆排練，修改，設計好了要拍攝的角度和轉場方式。

然後再以此安排電影的佈景。

從前，演員是舞臺上的主角。

在這裏，攝影機是唯一C位。

演員是活物，可以調教，溝通。

這C位可不好伺候。

攝影師必須扛着它穿越每個角落——

被鋼索吊起，坐車扛着攝影機橫穿幾百米。

甚至，先跑步，再被吊，然後坐車，下車繼續跑……

它的走位，又要光源配合——

廢墟小鎮，照明彈映射天空那一幕。

爲了計算照明彈的時間，摸清楚陰影反饋，他們甚至製作了一個模型用來模擬。

把光從窗戶中照射進來，光在地面上移動一一區分開來，分析不同的陰影效果。

尋找最佳的拍攝角度。

這麼累幹嘛呢？

攝影師羅傑·迪金斯在採訪中坦言：

我希望這部電影能夠吸引那些在電子遊戲種成長的年輕一代，因爲影像能夠更令人身臨其境。

簡而言之，主創對《1917》的期待是劃時代的。

效果見仁見智。

他們付出的努力，就是爲儘量對得起自己吹的牛逼。

按照一戰時的英軍手冊，完整地挖出了一條長達一英里的戰壕。

最終呈現的樣子，和真實的一戰幾乎沒有區別。

還有更變態的——

劇組在片場自己種了一片櫻桃樹。

是爲了拍它？

是爲了砍掉它。

因爲那句臺詞就這樣寫的：

他們把樹都砍了

我們總說一句話。

“電影是造夢的藝術。”

有點懸了。

Sir寫了這麼多年影評，覺得電影這東西其實挺公平的。

創作者流下多少血汗，掏空多少自己，付出多大代價……

觀衆，就會給你多少信任。

爲什麼Sir一直希望在大銀幕，IMAX看一次《1917》。

很簡單。

這是一部值得你投入100%的作品。

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