“错误的东西不一定是不对的，它是为下一步的成功做准备的”，在2019年12月20日三文娱的文创新经济大会上，艺画开天的联合创始人陈威说到。

确实，在中国，科幻类型的动画作品并不多。而艺画开天从2015年成立以来，就一直在探索科幻动画的发展之路。从2015年的《疯味英雄》到2017年的《幻镜诺德琳》，再到后来的《灵笼》，在这条探索的道路上，艺画开天走出了自己的风格。

中国的科幻动画作品，缺乏的其实是创意的落地和对观众的共情的忽视，这也是我们很少能看到量产的国产科幻动画作品的原因。

在连续的几部作品获得好口碑和市场反响的同时，艺画开天是如何在保证作品质量，又让作品得到更多观众的认可的呢？

在三文娱文创新经济大会·创作会上，陈威给我们分享了下面这些内容：

1. 为什么选择《灵笼》这种末世题材？——来源于团队的兴趣和创作基因，坚持“初心”，去把事情做好；

2. 创作过程中的“真”和“假”。如何在作品中，体现“假的真实”？从细节抓起，尊重普通大众的认知。最核心的是，作品要能打动人，而打动别人的前提是打动自己；

3. 在创作中做极致的减法。让观众沉浸在故事本身，体会到作品的“电影感”

下面是三文娱创作会上，艺画开天联合创始人陈威的演讲实录，由三文娱整理发布：

大家好，我是艺画开天联合创始人陈威，现在担任总制片和项目艺术总监。很荣幸来到现场。今天我给大家分享在制作《灵笼》过程中的一些心得。

为什么要做《灵笼》？

在《灵笼》上线后，有朋友问我，为什么要做一个这么难的题材？《灵笼》这类类型的动画，在国内此前是没有大规模的量产的动画，我们能做好吗？

其实在一年前，这种疑问，每个星期都在发生。

大家可以放心，这个动画我们思考了很长时间，是一定可以做好的。

为什么我们会有信心把它做好？

其实在最开始的选材之前，我们的同事做了大量的市场调研，他们给我们的数据显示，现在青少年、中青年他们更喜欢什么样类型的产品。当时部门的其他同事，也有类似的质疑：现在《灵笼》选择的题材，风险是很大的。当我们第一次把主角拿出来时，他们都崩溃了——我们竟然选择了一个这么强壮的男人作为这个题材的主角。

其实，从我自己来看，要做好一件事，也就是就是所谓的“初心”，我认为最重要的是兴趣。那么我们的团队基因是不是适合做这个方向的产品呢？

当同事听完我们的解答后，了解到：第一，我们作为主创人员，希望做这种题材的作品；第二，因为我们之前一些作品和十几年的积累，我们的核心主创团队和公司生产架构，是适合做这种类型的影片的。

而至于为什么会选择这样一个强壮硬汉的男性作为主角，因为我们的世界观是很残酷的，我们想打造的是一个具有教育意义的故事，同时让大家沉下心来去观看这个故事，而不是被某个主角靓丽的外形而吸引。

这件事，也是我从事工作十几年一直在琢磨的事情。怎样才能认清自己，我自己到底想要什么？

我们做的产品是面向市场面向用户的，从来没有自诩为艺术家或者创作者。我们经常聚在一起讨论我们都是大俗人，我们要做的就是让自己觉得high的东西。我们既定在世俗的价值观和普通大众差不多的情况下，那么我自己喜欢的东西，是不是也代表着更多大众也许会喜欢呢？

这个事情，花费了十几年辩证完后，我们不再纠结于市场一定要怎么样的东西。我们的认知和审美，也许会比普通人高，但是我们还是在大众的市场认知范围内的。后来找到了我们自己擅长和喜欢的题材。

今天在想，分享会上要怎么说。如果简单粗暴的一句话分享的话，就是但凡想好的事情，埋头苦干，然后把事情做成。不要太受外界和其他人的干扰。

听取其他人的意见，在我看来，需要辩证地去看待，看你听取到什么程度。在我们公司奉行的一个原则，不论是实习生还是行业大佬，都可以在任何时间给我们提出反对意见。但这个反对意见，我们是否采纳，需要看你的辩证能力了。

在艺画开天看来，创意不是只停留在纸上的，而是看最终落地的效果。如果这个创意不能执行，那么我们还是会保持原来的想法。即使有的人认为这是错误的决定，我们也还是会把它执行。在艺画开天看来，错误的东西不一定是不对的，它是为下一步的成功做准备的。

创作过程中的“真”和“假”

在我看来，《灵笼》在创作过程中，一直在围绕真和假在论证。

“真”可以理解为，大家看到的人物性格、台词、人物长相等；“假”可以这样理解，毕竟我们做的是动画片，而不是真人电影和真人电视剧。我们需要让它在这个世界中有艺术的夸张效果，和真实生活的割裂感。

在做《灵笼》的过程中，一直在追求“假的真实”，即它看起来和我们的生活离的特别远，它的世界、人物、装置等看起来是虚假的。但是在这虚假的背后，创作者和观众可以找到真实的感动。这也是真正能打动人心的。打动别人肯定要先打动自己。

给大家讲个小故事，我们在制作《灵笼》的第三集时，也就是红蔻和破晓在被烧死的那场戏中，我们主创在讨论是否让这两个角色死掉，后来还是决定了他们死去的结局。既然有了这个想法，就要考虑怎样让他们死的更惨烈。我们的想法是，要让制作人员看完后就会流下眼泪。

这也是在假的场景中做出真实感。在我们成品出来后，我们的创作人员一半都流泪了。那个时候我们才觉得这个靠谱了。

我们再回到“真”。

《灵笼》的世界观我们花了半年时间来构建，其中的细节也花了半年时间来打磨。这个世界观其实是虚构的，但是我们借鉴了一些历史和人性上可供参考的资料。我们的创作团队，有专门的专家顾问组。

在《灵笼》的世界中，它遭受了很多地质灾难。当时我找到中国地质大学的教授，和他磨了一个月，了解到星球是如何毁灭的，地质落差有多大的区别等等一系列地质问题，最终我们画出了一个完整的世界地图。

因为有了这个世界地图，对我们的剧本有一个很好的指导作用。我们的编剧就会更加明白，为了营造更大的戏剧冲突，要如何去设定当时的自然环境等。

除此之外，我们还有历史顾问、机械顾问等。比如这张海报上的机甲也就是影片中的“重力体”，也是在追求极致的真。

整个重力体从设计到制作完成，我们花费了半年时间。造型设计其实只用了半个月的时间，但是其他时间，我们一直在反复验证它的机械结构。我们希望在影片中，它的每一个关节看起来都是可动的。因为任何的机械，在运动时，它的每一个连杆都会有微小的动作，会涉及到几何力学。我们有专门的动力学验证组，后面的工作在反复削减其中不合理的地方，在6个月后，我们的重力体完成了。

虽然《灵笼》不是机甲片，但是影片中出现的任何机械和装置设计，我们花费了极大的心血去完成。比如其中的枪械，我们在建模时，所有的枪械都是按照真实的枪械1比1来完成的，但是观众只看到其中一小部分。

这个时候，又有其他的声音：你们是做动画片，又不是造真实的机械，为什么要在这些装置上花这么大的力气。

我想说，中国的科幻片为什么很多看起来会很难震慑人心？因为除了剧本、演员和特效以外，很多创作者，对于装置和机械设计并不尊重，没有认真去琢磨这其中到底是怎样的。比如詹姆斯·卡梅隆在拍摄《异形》《阿凡达》时，其中的很多机械装置，他都会使用真实的机械模型来还原。其实在影片中一下子就过去了。但是往往这些细节，会增加虚构环境下的真实感。而这种真实感，是有助于故事的表现力，让观众不再跳戏。

对于科幻片而言，装置设计、场景设计不好的话，剧本再好，它的评分也会被拉低。大多数科学幻想片，都是要用精致的装置设计来承载。而精致的装置设计是在“堆料”吗？其实不是的，而是要合理。我们在设计之初，也会寻找很多素材，但是到真正落地时，我们会做极致的减法。

往往真实的工业设计，大家都在追求极简的风格。我们要让观众感受到，我们的设计都是基于当代的基础科学之上，做出的一系列的延展，让这些看起来是“真”的。

对于“假”。其实艺画开天一直在做“假”这件事。因为“假”是一种艺术风格，是影片的表现力，是夸张的。我们的角色的表象，看起来是写实的。但是我们的创作组一直在想着把它做“假”，做出风格化。

什么是风格化？我的理解，其实就是“假”。

在表现人物面部的时候，能不能用简单的线条和极少的肌肉，来表现出一个相对写实的造型。这涉及到最终的呈现效果。即便是《灵笼》这样的投资，我们也无法像好莱坞的级别或很高的CG水准来制作，因为成本和周期hold不住。

一个好的创意，要最终把它兑现，才能称之为创意。

在做“假”的这件事上，在2017年我们出的《灵笼》第一条PV中，最初我们做的是块状的头发，我们当时觉得毛发不重要。人物面部也有观众吐槽细节不够，毛孔不够细致。

其实我想告诉大家，我们是故意而为之的。在这个基础上，我们可以更轻松地完成高精度的绑定，有了高精度的绑定后，动画制作人员可以相对容易实现不错的动作。比如一个卡通的造型和一个偏写实的造型，比较容易完成的一定是卡通的造型。因为我们去掉了一些细节和不必要的表现力，它的容错率就会比较大。任何一个制作人员都会犯错。因为有容错率存在，观众甚至创作者是看不出来一些细小的不足的，观众是可以接受的。

比如眼睛，《灵笼》没有使用高精尖的眼球的制作，也没使用真实的反射，我们还是想把它简化，目的是保持它的艺术表现力和夸张的效果。人物的眼睑和内眼皮，我们是直接省略掉的。人物眼睛的高光点，并不是渲染出来的，我们放置了一个“面片”。

为什么这样做？因为《灵笼》有许多文戏，比如当角色在含情脉脉或者愤怒时，很多时候是需要靠高光点来精准地体现角色情绪的变化。如果用后期渲染的反射高光，即便能即时预览，但是它并不是很准确。它和高精度渲染是有差别的。但是我们使用的“面片”就解决了这个问题，导演在审片时，能第一时间决定这个表情是否是准确的，要不要继续制作，这个眼神传达的情绪是不是对的。这都是我们在制作过程中想的办法。

毛发的问题，我们也会和观众妥协。当时pv上了之后，很多观众吐槽我们的实力不行，毛发做不了。后来我们决定在上正片之前，全部使用真实毛发来制作。我们之所以选择模型来做毛发，其实是想做一些风格化的东西，但是后来发现，国内观众对此不是很买账，后来还是回到常规的毛发制作中了。

关于“假”，其实到最后，在我们的动画表演、造型、色调上的夸张，我们影片有一个重要的指导思想，就是“氛围”。我们要求整个氛围和故事是紧密契合的。不会为了炫酷的特效而去放弃一些东西。每个环节都是8分，也许浮动在0.5左右，但是不允许某个环节太出彩，某个环节太差。一旦落差太大，观众的观感就会有一种错落感，疑惑为什么作品的质量时而高时而低。作品的整个创作，都是为氛围服务。

我们也使用了一些手段，比如会故意压上下黑边，营造一种电影的观感，它强调沉浸式，观众就会更加关注故事本身，关注影片的节奏好不好，我们把精力放在了故事的节奏和色调控制上。

《灵笼》整体色调是高度统一的。

一是从以前的作品中延续过来的；二是故事题材本身适合这种“硬”的色调。

在单一色调中，我们其实是“取巧”了。我们追求的是空间的剪影造型，追求的是统一的色调，追求的是这个角色出来后，能跟场景融为一体。

我们非常注意前期和后期的控制。前期我们注重剧本、分镜和模型，后期我们注重合成和剪辑。我们会严格去把控这两头。这两头一定是整个环节中最重要的两个阶段。

前面讲到我们在材质和色彩上做的一些简化，多出来的时间我可以把景深、构图、空间几何构成、阴影明暗对比关系，花足够大的力气做好。给观众带来的整体观感是，这好像是电影。电影的核心其实就是氛围和构图。

2019年我们以《灵笼》为基础，构建了属于艺画开天的制作生态系统。

《灵笼》的制作中期，其实70%是外包出去的，不论是哪家外包，它都可以非常轻松地进入到我们的中期制作中。我们的制作流程体系是非常简单的，我们把最难的部分还是由公司内部来完成。没有捷径可以走。

我们的流程是一个高度的分发式的，我们的出错率很低，我们的制作成本也是相对较低的未来《三体》，我们会在美术风格和表现力上做一些改变，之前PV其实是一个参考，正片肯定会比当时的PV品质要高。谢谢大家。

未经同意，严禁转载。