昨晚8点，《乐队的夏天2》第3、4期两集上线。总共11支乐队进行第二轮比赛。其中Joyside、野孩子、大波浪乐队、椅子乐团、遗忘聚乐部、左右乐队分别晋级下轮比赛。而白日梦症候群、达闻西乐队、不速之客、Rustic，以及法兹乐队遗憾淘汰。

以下是第二轮竞演图鉴：

Joyside

前段时间网剧《隐秘的角落》掀起一阵热度，让大家知道了导演幸爽的名字，而作为Joyside的前成员，他也在剧中运用了Joyside的作品作为片尾曲。对于大部分人来说，这似乎是第一次知道“Joyside”这支乐队的存在。

这次乐夏，Joyside表演了他们的回归之作《太空浪子》，其歌词写道：“在这无人的夜，我要带你远去。看天地绚丽，看星辰奥秘。”而在表演间隙，主唱边远向观众挥手撒下星星，非常浪漫。这层气质，同当年那个在

当中唱着：“ What a dirty goddamn world，too much shit i can not stand” 有着区别。

当然，这并不是“年少轻狂”向“成熟包容”的过度，Joyside还是那个Joyside，其核心力量从未改变。贝斯手刘昊在台上的状态，显现出他对乐队重组的兴奋，对于舞台的享受，令人为其高兴。

我们只能说，曾经的Joyside在原有的面貌之下，又发掘出了另外一面，而这一面的他们，依然充满着生命力。

三人的回归，令不少在场观众落泪。Joyside重新登台，其意义远超音乐本身，而是对于中国摇滚乐整个精神面貌、文化的一次唤醒。显而易见的是，这种唤醒，并非徒劳。

大波浪

的确，有许多人对于电子乐稍显排斥，而不能否认的是，“舞曲”这类形式的音乐常常出现在我们所谓的“嗨吧”中，不免让许多人将“电子乐”同“俗气”联系在一起。

这种现象，由来已久，但对于“音色”的探索，合成器的使用，是音乐这门艺术进入现代化时期之后，非常重要的一步。而科技为音乐所带来的可能性是过去难以比拟的，“科技感”的声音，早已成为现代音乐的标志性印记之一。

早在乐夏之前，大波浪就已经常年活跃在音乐节的舞台，其风格杂糅了舞曲、Synth pop，以及摇滚乐。而这一次在乐夏舞台上表演的这首

则将摇滚乐的部分稍稍削弱，将舞曲和Synth Pop的部分放大，使得观众席彻底成为“舞池”。

一曲，大波浪主唱李剑以 Headache/Dizziness / Asthma / Irritable 等“症状”引入精神疾病等话题。他同时坦言自身患有“双相情感障碍”。而实际上，尽管在近几年，“原生家庭”、“心理卫生”等话题频繁出现在各类媒体头条，但不可否认的是，大众对于“精神疾病”的认知，依然微乎其微。

在DSM（精神疾病诊断与统计手册）中，共罗列近300种精神疾病，若非心理学专业人士，很少有人会进行研读。“心理疾病”是一个非常复杂的话题，而自百年前弗洛伊德创立“精神分析法”伊始，心理学还经过了自体心理学、客体关系理论共三个宏观阶段，这一切的目的，在于帮助人们认知内心冲突，处理内心冲突，其终极目标，是让人相信自我的一切自发性感受，成就自己的人生。

音乐作为一种艺术形式，也是一种载体，李剑在作品中阐述“心理问题”的话题，是借此来换取人们对“心灵”的关注。在歌词中，他还提到：“Meaditation”,有人称其为“冥想”，也有人称其为“正念”。而“正念”行为，来自于佛陀，其目的同样是为了帮助人们建立自己和自己的良好关系，具有疗愈意义。

作为“双相情感障碍”的李剑，想必在生活中也历经无数内心的矛盾和冲突，而这个部分得以在乐夏舞台上进行表达，也的确说明这个舞台具备它独有的包容性，这是一件令人欣慰的事情。

Rustic

其实在如今这个时代，人们似乎更喜欢“有新意”的音乐，在大部分人的感觉中。Rustic这首《Posion Beauty》似乎的确缺乏让人眼前一亮的特点。

作为一个“话题性”乐队，前有曾是乐队贝斯手的Ricky，后有李岩的说唱表演。而和同样话题性极强的五条人相比，五条人没能晋级的原因，大部分和听众听不懂其歌词有关。但Rustic，则是因为听众听得太多了。

不能否认的是，在乐夏的舞台上，“朋克”一直都不太受青睐，即便是前一季的反光镜，也最终没能走到最后。似乎这一切都暗示着一个结论：朋克真的已经过时了。

而什么是“朋克”呢，其音乐形态更多诞生于“反叛”的精神内核。而正是这种精神内核，为“朋克”音乐增加了厚度，使其耐听。按理来说，“朋克”一直都是一种充满了思考的音乐，是对于复杂情绪的表达。而无论任何一种音乐，都要“用心”去做。

更有可能的是，Rustic没能“用心”。也许他们是凭借“肌肉记忆”创作了这首《Posion Beauty》。

左右乐队

相比其它乐队来说，左右乐队的“出场时间”似乎相对较少，尽管他们已经晋级，却依然没有留出足够的时间来一一介绍自己。

而实际上，这支乐队的成员在登上乐夏之前，就已经在其他节目中展露头角，其吉他手娄鑫磊担任过《一起乐队吧》“导师”，同时也担任过“凤凰传奇”的制作人。而另一位吉他手郑仕伟曾为王啸坤制作过个人单曲。

当然，既然已经晋级，那么在后续的节目中，观众便能弥补对其“不太熟悉”的缺口。

而从表演上来看，左右乐队无疑展现出了非常扎实的基本功，其成员均为“科班出身”，风格夹杂了流行音乐、金属核，偶有电子乐音色的使用，总体偏向“新金属”。这场表演，完成度非常高。

不速之客

毫无疑问，这是一支极其“复古”的乐队，是一支货真价实的硬摇滚乐队。无论是吉他Riff、主唱的唱腔，歌曲结构中特地留出的大段吉他Solo，以及他们在台上的台风、夹克、丝巾等等，这一切的元素都让人瞬间回到二三十年前，那个摇滚乐的“黄金时代”。

不得不承认，他们的身上，枪花的影子极其浓厚。而作为一支硬摇滚乐队，若一定要指出其不足之处，也只能说其吉他Solo稍显“简陋”。除此之外，他们的音乐无可挑剔，没有任何问题。

可惜的是，他们最终被淘汰。而的的确确，对于那些多年的“老听众”来说，硬摇滚这种风格似乎不那么贴合他们的耳朵，因为它有些“过时”。但这也实属正常，不代表不速之客的音乐有什么问题。

椅子乐团

这支乐队很讨喜，温和、阳光，没有强烈的攻击性。以笑颜告知听众“Carpe Diem（活在当下）”。其歌词写：“头戴白色花瓣，脚踩彩色花瓣”，传递一种“童话美”。

有一点他们做得很好，即歌曲的技术性运用同他们想要传达的“轻松氛围”合二为一。在这首

当中，没有太多复杂的编曲，整个作品平铺直叙，结构清晰。悉心感受，有“少年般的正能量”。而若其歌曲编排复杂，则会增加其信息量，反而会削弱“少年感”，变得更为“艰深”。

另外，主唱裘咏靖的音色以及其高八度的演唱方式，都为表演增色不少，这一点，也得到了张亚东的极大肯定。

白日梦症候群/遗忘俱乐部

在乐夏的舞台上，白举纲和刘忻都面对同一个挑战，即如何“活出自我”。也有人将“活出自我”称作“英雄之旅”。的确，这非常恰当。因为一个人要“活出自我”，是非常艰难的，而能战胜其艰难的人，也的确都是英雄。

曾有一位名叫约翰.哈格罗夫的训鲸师写过一本名为《深海之下》的书，讲述逆戟鲸如何被圈养在海洋馆中，因其脱离了自然生态环境，被人类剥夺其自然需求，成为谋取利益的工具，最终出现病变、死亡，甚至将训鲸师致死的故事。

那么，“艺人”到底是“人”，还是一个“商品”。当白举纲说“上面”不让他来参加乐夏时，很容易让人把他和那些被圈养的逆戟鲸联想在一起。

显而易见，白举纲在台上极力捍卫自己的理想，而在不同的公共场合，他也都提到自己这一生，一定要做乐队。当面对“上面”的人，面对那些反对他的人，他似乎总在为自己的灵魂呐喊。用一首《蠢梦》告诉大家：我只做我自己。

不知有多少人能够共情，体会到这个灵魂的顽强、坚韧，和纯净。遗憾的是，一个人的灵魂是什么样子，只有他自己知道。而捍卫灵魂的工作，也只有他自己可以完成。

当他走上乐夏的舞台，他便决意要丢下“选秀”的“光环”。因为那层光环于他而言，并不是他想同世界建立连接的方式。许多时候，他需要去抗争，因为对许多人来说，那个带有“光环”的他更值钱，而真实的他，一文不值。

世间有时的确残酷，因世人不会在意个体的呐喊，自古以来便如此，而个体成就自我的唯一路径，就是不断听从自己的内心。这个过程充满艰辛，却令人佩服。

相比之下，刘忻似乎比白举纲走得更远，从她在舞台上的状态来看，她似乎比白举纲建立了同自己之间更紧密的联结。她如何做到这一步，其过程中经历过何种细节，难以想象。在

中，她唱：“Who the hell is good enough ,We are the biggest part ”，犹如一句个体的“独立宣言”。一个人真实可贵之处，并不在于精神力量是否“变现”，而在于精神力量本身。在接下来的人生中，她还将继续自己的“英雄之旅”。

“艺人”，首先是“人”，其次，他/她具备“商业”的功能，而为了其“商业”功能去扭曲“人”，这没有错，但是不值。白举纲和刘忻登上乐夏的舞台，其根本意义不在于音乐，而在于他们正在履行自己对自己的“使命”。而什么是自己的“使命”，只有他们自己可以感觉到，这同外界全然无关。

法兹乐队

“我只指望一片光阴，贯穿对自然的崇敬。天边彩虹映入眼帘，我的心为之雀跃”。这句歌词的背后，藏着一个坚韧、好奇、干净的，近乎完美的人格模型。这个人格，只为“玩耍”，而在“玩耍”中，他探索，且觉知生命的惊奇，在人间自由流动。

“控制，我控制，我控制你。控制，我控制，我控制自己。”这句歌词的背后，藏着一个矛盾、怯懦、应激的人格模型。这个人格，在现实中摇摆不定，因他人的夸赞而欢呼，也因他人的否定而感觉被遗弃。当个体的感觉被他人的看法所控制，便生出疲倦，于是要远离人群，控制住人和人之间的界限。

于是，《控制》一曲，呈现出两种状态，一种是童心，简单、直白。另一种则更复杂，也是更显而易见的一面，即生活里的许多时刻，我们既没能做成孩子，也没能当一个成年人，我们浮在中间，谁也不是。

对于什么是“成年人”，定义很多，有时很难让人理解。而对于什么是“真正的成年人”，则不那么复杂，一个“真正的成年人”，也同样是一个成熟的人。成熟的标志，在于个体是否能处理好自己和自己的关系。

人的心底，都有一个小孩。人一生心之所向的动力，都是这个孩子给的。这个孩子，是生命。如果他/她被遗弃、斥责、恐吓、剥夺，个体的人格是永远无法成为“真正的成年人”的。若要问人活着的意义是什么，那个孩子是有答案的，只是很多时候，我们不认同他/她，且总想着控制他/她，着实令人遗憾。而成长需要时间，可它不等待任何一个人。

主唱刘鹏对女儿妮妮说：“希望你以后可以成为你想成为的人。”这是人的一生中，能得到的最珍贵的祝福。

达闻西乐队

这首名为《大都会》的作品，是对于城市生活的直白叙述，同其为“City Pop”风格的“精神内核”一致，给人以“观察者”的视角，静看城市人群的忙碌。其歌词写：“马路边的人，地铁里的人，东张西望发呆的人。被赞许的人，被奖励的人，歇斯底里工作的人。”

这些不同的“人”，可以是同一个“人”身上的不同“状态”，也可以分别是某个人身上最标志性的特征。遗憾的是，这支乐队最终没能晋级。若单从音乐上来说，其合成器的铺底、吉他的音色、鼓所创造的简单、直接的律动，以及歌曲本身的旋律，其实都很到位，但这都没能让他们留下来。

也许听众们对此较为麻木，因为那些歌词中唱到的人，譬如“回避型的人，易敏感的人，盯着手机失眠的人”正是他们自己曾历经过的状态。而在如今这个信息高度发达、科技高度发展的情况下，一切都在以极大的速度变幻。一夜之间，所有人都变得回避、敏感、焦虑、失眠。

也许，人们对于达文西这首《大都会》的议题有着某种期待，期待歌者在引述了都市生活的状态之后，能有一个直抵人心式的收尾，而这个收尾，也许是人们在迷茫中渴求的答案。

遗憾的是，听众没有得到那个答案。这也许是他们出局的原因之一。

野孩子

这期乐夏，野孩子压轴，无伴奏人声表演惊艳四座。许多人被其中的“质朴”、“辽阔”所打动。在《黄河谣》的语境下，任何“音乐理论系统”都与此绝缘。

在歌词中，他们唱：“黄河的水不停地流，流过了家流过了兰州。远方的亲人啊，听我唱支黄河谣。”这些歌词，简单易懂，它只是说，黄河在流，希望亲人听我唱首歌谣，仅此而已。但它直抵人心。

90000年前，我们的祖先从南非开始迁徙，分批抵达不同的地区。50000年前，一部分人定居中东两河流域，形成古苏美尔文明、亚述文明、古巴比伦文明，40000年前，一部分人抵达欧洲。还有一族人，在35000年前向东进入东亚，随着漫长世纪的推进，这一族人逐渐形成我们今天称作“华夏”的文明。

“文明”一词，脱不开地理环境。如长江、如黄河，再如“黄土高坡”，只因信风和水，掀起亚粘土，将其搬运、聚集在盆地。当我们的祖先抵达此地，所见之处，皆为水、土地、平原，或丘陵。他们在山下劳作，依水而居，世世代代，繁衍生息。所有这一切的印象，不断进入无数人的眼帘，说得具体一点，是“集体潜意识”，说得抽象一些，是“母亲”。

“黄河谣”三字拆解开来，即“黄河边的歌谣”，而“歌谣”即“故事”，所以“黄河谣”，意为“用歌唱出黄河边的故事”。而这故事里到底有什么，我们很多人今生的确未曾遇见。可“集体潜意识”是可以一代代遗传的，于是，我们每一个人的往生，都曾经历过那个故事。而在偶然间，祖先留给我们的“印象”，会被唤醒。于是，野孩子对着黄河唱：“耶咿呀咿耶咿呀咿耶哟”，因为我们的祖先也曾这样歌唱。

而什么是音乐呢，是不是全功能的巴托克轴心、非功能的十二音序列，是不是布鲁斯的蓝调音、爵士乐的三全音替代，等等。遗憾的是，任何“形式系统”都只是对于人类内心各类“感官”的“符号性同构”。它不是“感官”本身。若一定追问“什么是音乐”，终归只是一种“感觉”。

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