如果穿越到1958年，采访身在成都的法国摄影大师亨利•卡蒂埃-布列松，他可能不会想到六十一年之后自己的作品会在这座城市展出。这也是时隔二十多年，布列松的作品再次来到中国，成为成都当代影像馆的开馆大展和常设展。

Part 1

成都成为中国最重要的

布列松作品收藏地2019年4月27日，“亨利•卡蒂埃-布列松：决定性瞬间”成为成都当代影像馆的开馆大展和常设展。为什么选择布列松？成都当代影像馆馆长、布列松大展策

展人让-吕克•蒙特罗索说，“对一个博物馆来说，藏品非常重要。亨利•卡蒂埃-布列松是摄影史上最重要的人物，因此成都当代影像馆收藏并展出他的杰出作品。”

位于成都市金牛区府河摄影公园中的成都当代影像馆

在德国哲学家瓦尔特•本雅明看来，摄影是典型的“机械复制时代的艺术”。只要有底片，摄影作品就可以大批量复制。那么，此次在成都展出的布列松作品有何独特之处呢？

“摄影就像雕塑，可以被复制成多份。但是在成都展示的照片是由亨利•卡蒂埃-布列松本人签名和批准的原作。其独特之处在于，成都当代影像馆是亨利•卡蒂埃-布列松在中国最大的照片收藏机构。”让-吕克•蒙特罗索如是回应。

此次在成都展出的作品都是布列松上个世纪30年代的作品。让-吕克•蒙特罗索认为，布列松作品有三个时期：第一个时期是在1930年到1939年间，他创造了自己的个人风格；第二个时期是从1947年玛格南图片社成立到20世纪80年代，他成为一名新闻摄影记者，为杂志和报纸对中国进行重要的报道；第三个时期是从1980年到他去世，那时他回到了早年对绘画的热爱，拍摄的照片少得多，但展示的作品更多。考虑到对布列松已发表作品的研究，让-吕克•蒙特罗索选择首先介绍1930-1939年间的作品。在这个时间段，布列松拍摄了他最著名的照片。

Part 2

捕捉决定性的瞬间

布列松在摄影史上处于什么样的地位？中国台湾著名摄影师和摄影史研究者阮义忠曾有这样的论断：“摄影诞生于1839年8月19日，起先的一百年，它到底算不算是一门艺术，依旧见仁见智；而后的五十年，布列松的出现，使任何人都不再为这件事争论不休了。”

布列松几乎就是摄影的代号。以至于有人说，摄影这一门，你进去是ABC，出来是HCB。H•C•B正是亨利•卡蒂埃-布列松名字（HenriCartier-Bresson）的缩写。布列松在摄影史上的大师地位，很大程度上在于他创作出“决定性瞬间”的理论：

生活中发生的每一个事件里，都有一个决定性的瞬间，这个瞬间来临时，环境中的元素会排列成最具意义的几何形态，而这种形态也最能显示这桩事件的完整面貌。有时候，这种形态转瞬即逝。因此，当进行的事件中所有元素都是平衡状态时，摄影家必须抓住这一瞬间。

1952年，布列松的作品集在美国出版，法文书名叫《捕捉瞬间》，编辑迪克西蒙将“决定性瞬间”作为美国版的书名。布列松觉得用来形容摄影挺合适的，于是接受了，并将这一理念发扬光大。值得一提的是，在成都当代影像馆布列松的展览橱柜里，展示了这本书的原版。

怎样捕捉决定性的瞬间呢？

布列松的答案是：等待，等待，等待，按下快门。“等”是捕捉意象、实现意念的最佳利器。

1933年，布列松拍摄的意大利萨莱诺

布列松认为，“所有的思考，只能在拍照前或拍照后：按快门的那一瞬间，只有凭直觉。”“构图”是摄影的空间，“快门机会”是摄影的时间，布列松同时注意这两者。如果这两点不能同时满足，他会站在一旁等下去，直到所有元素都是“平衡状态”，洞悉先机地捕捉到那个瞬间。眼力好，看准时空最有意义的交叉点，让布列松成为有史以来把时空因素结合得最为灵巧的巨匠。因此，看了布列松的作品，没有人会质疑摄影的艺术性。

布列松对构图和偶然性的追求，源于他对绘画的热爱。早年在叔叔的影响下，布列松被绘画深深地吸引了。20岁的时候，他还加入一个画家的工作室，跟随法国立体派画家安德烈•洛特学了两年绘画。安德烈•洛特是一个非常注重线条的画家，执着于几何构图。受他影响，布列松非常注重画面结构和几何形构图。布列松同时

和1932年法国马赛的街景

受到超现实主义的影响，拍摄了很多表现偶然瞬间的照片：所拍的街头照片中，人物的行动、眼神很少呈现出具体的情绪或意图，让人有一种捉摸不定感。六十五岁时，布列松重拾画笔，开始画画，偶尔拍照。有人说他重新回归儿时的绘画梦想，因为他曾说：“摄影是我的职业，但绘画是我一生的爱好和追求。”

Part 3

低调的“世纪之眼”

布列松并不是一开始就认定摄影为终身从事的职业。布列松出身于巴黎周边的一个工人家庭，一直比较叛逆。年轻时的他不想受到家庭的束缚，一心想脱离家人规划的发展方向和职业计划，做自己想做的事。那个年代的年轻人都想出去走走，他也不例外。1931年，布列松去非洲环游，在那里拍了一些照片，但那时的他还不是专业的摄影师。和大多数年轻人一样，他有过叛逆期，也有迷茫期，但是一直在探索中。

1932年，布列松回到法国，在一本书上看到一张照片，画面中几个小男孩奔向浪花。他受到了很大的震动，突然领悟到，“照相机可以在一刹那凝固不朽。”这一年，24岁的布列松在马赛购买了一架徕卡相机，决定开始拍照。“当我买了第一架徕卡时，它变成了我眼睛的延伸。”第一台徕卡相机伴随了布列松整个摄影生涯。大众熟知的布列松照片，大多数都是这台小相机所拍。

1933年，拥有相机的第二年，布列松就在美国举办了个人摄影展。这在当时是非常少见的。可以说，布列松一出手就是大师，在职业生涯的初期就到达了巅峰，不管从作品的质量还是数量来说都是。

阮义忠认为布列松摄影生涯的高光时刻是1932～1933年，“如果你没有一颗与现实世界随时都在谈恋爱的心，那就和不拍照而只在一旁观看没什么差别，甚至还要更差。布列松一生轰轰烈烈的‘恋爱期’只有两年，他在1932年和1933年的七百天里，创造出他一辈子最精彩的影像，而永远都没超越过。”

布列松基金会保存了布列松将近3万张照片，主要拍于20世纪30年代。布列松基金会收藏部主任奥德•汉堡特认为，布列松有两个重要的摄影阶段：上世纪30年代以及40年代加入玛格南图片社之后。

1947年，布列松与著名战地摄影师卡帕等人成立了玛格南图片社。在玛格南图片社工作期间，布列松环游世界拍照，作品在全球发行。应美国著名的杂志《生活》之约，布列松曾在亚洲待了三年，在中国待了一年。当时布列松的交通工具主要是轮船，他从法国坐船，经过39天之后，终于到达中国。他曾经到过北京、上海等地，在上海拍到一些不错的照片。

成都当代影像馆展厅的一角

受美国《生活》杂志编辑的邀请，布列松拍过一些彩色照片，他还有两个玛格南图片社的朋友是拍摄彩色照片的佼佼者，但他自己不是很推崇。因为在他生活的那个时代，受技术限制，彩色照片非常饱和，色度不像今天这么准确，印制出来效果也不好，不能很好地表现拍摄者的意图。另外，布列松本身是画家，对色彩要求较高，认为拍摄出来的并不是他所看到的那个色调。

布列松认为，摄影过程中，场景是最重要的。他的作品大部分都是黑色照片，很少拍彩色照片。他偶然发现了自己拍的一些彩色照片，由于不满意，然后把这些照片毁坏了。可以看出来，布列松对自己的作品要求非常高，除了毁掉不满意的作品，还有一些可爱的举动。他曾在一些作品上标注：“作者是我，拍摄得并不好”。可以说非常耿直了。

作为新闻摄影记者，布列松与编辑的关系很有意思。编辑让他的作品和风格广为人知，但对他的作品也有改动、要求。在长期与编辑“相爱相杀”的过程中，布列松斗智斗勇，总结出了应对之策。20世纪60年代之后，布列松离开玛格南图片社之后，他所有照片都有黑色的框线，拒绝出版物的编辑随意裁剪作品的尺寸。如果他后期的作品没有黑色的框线，很可能表明不是原作，是被修改过的。

布列松作品展馆现场

可能是因为成名太早，饱受名气所累，布列松非常低调。在环游世界拍摄期间，他常使用化名，在印度使用的名字是“Karttikeya”（意思是“同太阳作战的武神”），和妻子去日本拍摄期间使用化名是HC。他喜欢大家称他为亨利•卡蒂埃，而不是广为人知的布列松。布列松非常拒绝被人拍摄，认为隐藏在人群中最能捕捉到画面，他还曾经戴着摩托车头盔，到街上拍摄游行的人群。

六十五岁，布列松重拾画笔开始画画，偶尔拍照。在那之后，他对摄影的热情主要转为展览了。布列松认为，通过展览，能直接了解艺术家的人生和观点。九十岁之前，他出了二十多本摄影集子，拍过十部纪录片，举行过数十次重要的展览（大规模的巡回展）。

2004年8月3日，20世纪的“世纪之眼”布列松永久闭上了自己的眼睛，但是他将永久接受摄影爱好者的注目。

文 _ 本刊记者 > 李翠华

图片由成都当代影像馆提供

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